“Quel genre d’ego faut-il donc avoir pour écrire un livre sur sa propre vie et s’attendre à ce que qui que ce soit s’y intéresse ? Un ego énorme ! Mais quand même pas assez gros pour que je pense avoir été conçu à l’image de Dieu.” Voilà comment le barbu de Eels nous présente son autobiographie, rédigée en 2007 et parue récemment en français aux éditions 13e Note.
Vous serez prévenu : si vous êtes friand de détails sordides sur la crasse régnant dans les appartements des rock stars (on pense aux nombreuses pages consacrées à Edith Grove dans toutes les bios des Stones), si vous ne vous intéressez qu’aux gens qui dorment dans leur vomi, aux anecdotes où Ozzy Osbourne sniffe des fourmis vivantes, aux périples d’un Keith Richards tentant de trouver de l’héro dans une ville où il ne connaît personne (et se faisant refiler de la litière pour chats par un dealer peu respectueux des mythes du rock), ou aux soirées dans des chambres d’hôtel avec des mineures qui acceptent sans sourciller de se faire enfiler du poisson congelé dans le cul, alors passez votre chemin.
Mais si, au contraire, vous aimez les mélodies glockenspielées de l’étrange barbu à nom d’anguille, vous êtes foutu : après la lecture de cette bio franche et pleine d’autodérision, ce barbu-là, vous allez tout simplement l’adorer.
Tais-toi ou meurs, c’est un peu la version papier de Blinking Lights, double album titanesque sorti en 2005 : l’œuvre d’un homme plus très jeune, solitaire, qui après avoir vu mourir tous les membres de sa famille et une partie de ses amis, va fouiller dans son histoire familiale, et dans ses premiers souvenirs, pour parvenir à trouver une sorte de sérénité.
Si vous avez suivi l’évolution musicale de l’homme appelé E, si vous avez écouté ses textes habiles, à la fois tristes et pleins d’humour, vous vous doutez que son autobiographie n’aura que peu de choses en commun avec celle de Mötley Crüe. Ce qui frappe d’emblée, c’est l’humilité du E, son refus du mélo, son refus de jouer l’écorché vif.
E, c’est l’anti-Patrick Eudeline. Pas une seule fois au cours de ces 220 pages on ne trouvera le qualificatif“rock’n’roll”, ni la moindre marque de fringue ou d’instrument vintage. Il ne sera jamais question d’un“mouvement” auquel il aurait pu appartenir ; il se fout de savoir si l’on qualifie sa musique de rock, de pop ou de funk-noise musette celtique. Seules les chansons comptent, et tout le merdier qui est autour… eh ben, c’est juste du merdier autour. A l’heure où la critique rock et les gens qui la lisent (qui bien souvent sont les mêmes) semblent essentiellement préoccupés par l’émergence d’une nouvelle scène machinchose, à l’heure où il faut absolument que quelque chose d’excitant se passe, où il faut traîner dans les endroits à la mode, E, lui, avoue ne pas trop aimer aller voir des concerts, et ne pas spécialement s’intéresser à la musique de son époque. Ce qu’aime vraiment ce solitaire, c’est s’asseoir dans son jardin et écouter des vieux vinyles en fumant des cigares. C’est exotique, par les temps qui courent. Agréablement dépaysant.
“L’un de mes passe-temps favoris consiste à me demander combien de temps pourrait s’écouler entre ma mort et le moment où mon corps serait découvert. Je passe tellement de temps tout seul que j’ai le profil de ceux que l’on ne retrouve pas avant plusieurs jours, ou plusieurs semaines. Est-ce que mon chien de chasse, Bobby Jr., en serait réduit à manger ma dépouille parce que je ne serai plus là pour le nourrir ?”
Mark Oliver Everett – qui ne s’appelle pas E pour se donner un côté original dans le show buisness, mais parce que c’était le surnom que lui donnait sa soeur – est né en 1963 en Virginie. Comme il le chante dansWorld of shit, sur l’album Souljacker, son père était un “troubled genius”, un grand scientifique taciturne travaillant au Pentagone, alcoolo de surcroît.
L’hécatombe commence alors que E a douze ans : un avion se crashe tout près de chez lui et E, seul à maison ce soir-là, gardera le souvenir d’avoir couru pieds nus entre des bouts de cadavres pour tenter de se mettre à l’abri. A l’âge de dix-huit ans, il découvre sa sœur allongée sur le sol de la salle de bain, inconsciente après avoir avalé plusieurs tubes de somnifères (Elizabeth on the bathroom floor, donc). C’est lui qui fera les gestes de premiers secours, et parviendra à la sauver. Quelques jours plus tard, alors qu’E est seul à la maison avec son paternel, il retrouve le génie de la science tout raide dans son lit, mort d’une crise cardiaque. Ca, c’était l’entrée ; juste de petits amuse-gueules histoire de se mettre en jambes.
Son bac en poche et ne sachant trop qu’en faire, E, compositeur amateur et multi-instrumentiste, décide qu’il n’a envie de rien d’autre que de faire de la musique. Il part, seul, à Los Angeles où il ne connaît personne, tenter de décrocher un contrat avec une maison de disques. Il enchaîne les petits boulots ingrats et mal payés : barman, pompiste, employé dans un garage… Et passe le reste de son temps à enregistrer seul dans son appartement minuscule, sur un 4-pistes à cassette installé dans son placard. Il contacte toutes les maisons de disques, essuie des refus systématiques : dans l’industrie musicale californienne, au début des 90’s, pas de place pour un mec qui compose des trucs intimistes dans son coin. Au bout de trois ans, il finit par signer un petit contrat. Sous le nom de E, il enregistrera deux albums qui ne marcheront guère et, contraintes des directeurs artistiques ignares (pléonasme) obligent, ne le satisferont pas. Puis vient l’album Beautiful Freak, avec le succès qu’on sait. Succès auquel E ne goûtera guère.
Le lendemain de la sortie, E apprend le suicide sa sœur. Ce décès et les funérailles qui suivent lui inspirent les chansons d’Electro-Shock Blues. E replonge dans ses souvenirs des multiples tentatives de suicide et séjours en hôpital psychiatrique de sa sœur, et en sort des morceaux d’une beauté à couper le souffle. D’un disque parlant de la mort, il parvient à faire un disque profondément émouvant, qui donne à l’auditeur une furieuse envie de vivre.
Mais la maison de disques ne partage pas ce point de vue ; on lui affirme que personne n’a envie d’entendre des chansons qui parlent de nourriture d’hôpital. Refusant toute concession, E persévère, et parvient finalement à faire publier l’album. Qui deviendra un classique. Encore une fois, E ne profitera guère de ce succès : la tournée à peine entamée, sa mère se découvre atteinte d’un cancer. Durant tous les jours off de la tournée, il retournera auprès d’elle. Il assistera à sa lente déchéance, se réveillant la nuit pour la trouver en train de pisser sur le tapis, devant parfois lui faire sa toilette quand elle vient de se chier dessus… Jusqu’à la fin. La dernière volonté de sa mère était que l’on joue Happy Trails de Roy Rodgers à ses funérailles. E en fait la demande au pasteur, qui accepte. A la fin de la cérémonie, pas de Happy Trails. Le pasteur se justifie :“On n’a pas trouvé la partition.” Il y avait un exemplaire de cette partition posé sur le piano de la défunte…
E, dernier membre de la famille encore en vie, doit se charger de vider la maison avant de la mettre en vente, trier les vieilles affaires ayant appartenu à ses proches. De ces moments difficiles, il ressortira Daisies of the Galaxy et sa pochette enfantine, extraite d’un livre de contes pour enfants ayant appartenu à sa soeur. L’album, d’une rare nostalgie, se conclut par Mr. E’s beautiful blues, morceau lumineux où la vie reprend le dessus malgré tout : “Goddamn right it’s a beautiful day”.
Mais il s’avère que, même pour parler du ciel qui continue d’être bleu après qu’on a perdu tous les membres de sa famille les uns après les autres, les radios américaines n’aiment pas beaucoup le terme “Goddamn”. La chanson sera donc interdite sur les ondes. Idem pour la télévision : au Ed Sullivan Show, on demandera à Eels de jouer un autre morceau. Ils s’amuseront à le ponctuer de “Let’s spend some time together”, en référence aux Stones, censurés dans la même émission. Un “parental advisory” pour Eels qui, signature chez DreamWorks Records oblige, est présent sur la BO de Shrek, c’est tout de même plus fort que le roquefort. Mais George W Bush,“ce républicain d’une incompétence tragique”, dixit E, l’a fait. L’albumDaisies of the Galaxy est désigné comme “exemple des obscénités que l’industrie du divertissement vend aux enfants”. “C’est plutôt drôle. Je jubilais, bien sûr. On parlait de nous à la une du Washington Post. Tout ça était d’un ridicule achevé. La pochette du CD ressemblait à une couverture de livre de contes et les chansons avaient des titres comme It’s a Motherfucker. (…) Ils ont prétendu que l’illustration de la pochette prouvait que le disque était destiné aux gamins de maternelle. C’était génial. On pouvait télécharger mes paroles sur le site ‘George W Bush président’. (…) J’ai été forcé de m’émerveiller de la bêtise de ces réacs. On lisait dans le Washington Post : ‘Le porte-parole de la campagne de Bush, Ari Fleisher, a déclaré que la combinaison de mots obscènes et d’une pochette attrayante pour les plus jeunes ‘montre que les familles et les parents d’Amérique ne peuvent pas compter sur Al Gore pour empêcher de vendre ces choses aux enfants’”. Et de m’émerveiller, avec E, de la connerie fulgurante des républicains ricains.
Les amateurs de Eels seront ravis d’apprendre que les paroles de Souljacker part II ont été écrites sur du PQ, alors qu’E trônait sur les gogues. Ou qu’à la suite du 11 septembre, en pleine tournée Souljacker, E a dû raser sa barbe car elle effrayait les gens, surtout dans les aéroports – rasage qui fait bizarrement écho aux paroles de Dog Faced Boy, premier morceau de l’album : “Ma won’t shave me, Jesus can’t save me”. Eels, dangereux terroristes ? Le 11 septembre 2001 justement, votre servante se souvient être allée sous le casque au Virgin de La Défense découvrir l’album Souljacker, quelques heures avant qu’on la prévienne que des avions venaient finir leur course à un endroit pas prévu pour. Comme la plupart de ceux qui achètent les disques de Eels dans les jours qui suivent leur sortie, j’ai une foule de souvenirs associés aux chansons de Eels. Je m’identifiais à certaines paroles que je ne comprenais qu’approximativement, ce qui faisait que je pouvais les interpréter comme ça m’arrangeait. Ces chansons, avec les années, se sont transformées en madeleines. Généralement, quand les gens de ma génération (ceux qui entrent dans la trentaine) lisent la bio d’un musicien, le bouquin leur parle d’une époque qu’ils n’ont pas connue. Avec Tais-toi ou meurs, au contraire, on retrouve nos propres souvenirs, qu’on met en parallèle avec ceux de l’auteur. L’on a souvent envie de s’écrier “Mais ouiiiii ! Je me souviens, le jour là j’étais en train de … !”
Outre le fait que ce livre, tels les faits divers de la presse quotidienne régionale, parle au Eels friendly de ce qu’il se passe dans son village musical, Tais-toi ou meurs recèle des trésors d’anecdotes sur l’industrie musicale et ses vomitives incohérences. L’ouvrage intéressera aussi les musiciens et/ou les mecs qui bidouillent le son, E étant assez volubile à propos de ses techniques d’enregistrement.
Parcourant les lignes de cette autobiographie, on est tour à tour saisi par l’émotion, et pété de rire. Mark Oliver Everett a indéniablement une belle écriture, et ce n’est pas une nurse qui le dit. Une sincérité incroyable de la part d’une rock star. L’hécatombe qui marque la vie et les chansons de E est ici racontée sans pathos aucun ; on est à mille lieues d’un Jim Morrison et des Indiens massacrés devant ses yeux, dont les âmes seraient allées se nicher bien au chaud dedans le Jimbo. Non, en lisant ces lignes on ne ressent qu’un fort élan de sympathie pour ce barbu un peu dépressif qui ne fait que vivre une vie normale, et aime vraiment la musique. Qui aime et respecte ses chansons, au risque de se faire virer par sa maison de disques parce qu’il a refusé le paquet de pognon qu’on lui proposait pour que Last stop : this town serve de bande-son à un spot publicitaire : “J’ai écrit cette chanson pour ma sœur ; hors de question qu’elle contribue à rapporter des sous à une entreprise dont je n’ai rien à foutre.” Il serait bon que les “jeunes talents” français, dont parle Musique Info à tort et à travers, retiennent cette leçon, eux qui se prétendent “artistes” et répondent à des appels d’offre dans l’espoir que leurs “sons” soient “syncronisés” (comprendre par là : que leurs morceaux servent de bande-son à des pubs – les pontes de l’industrie musicale assurent actuellement que c’est le meilleur moyen de donner à leur musique une “visibilité”, de “toucher le grand public”, et autres gros mots qu’on ne répétera pas ici, Gonzaï n’étant pas un rouleau de PQ). Eh les mecs, juste un truc : vous vendriez votre mère pour une syncro ; Mark Oliver Everett a refusé toutes les offres de syncro qui lui ont été faites. Everett remplit les salles, et vous, vous avez beau bombarder vos 5000 amis Facebook d’invitations pour vos concerts, vous peinez à réunir trente pauvres gusses à vos concerts.
Mark Oliver Everett // Tais toi ou meurs // Edition Treizième Note
Source: http://gonzai.com/mark-oliver-everett-tais-toi-ou-meurs/
La deuxième partie du voyage pouvait commencer, celle qui se terminerait en apothéose par le concert tant attendu du Boss. En attendant, j'avais rendez-vous le soir avec Chan alias Cat Power à Camden. L'enchaînement fut si chaotique (recherche d'un logement, la dernière bière avec mon ami, manger) que j'ai attaqué le concert sans la carte mémoire du téléphone ce qui fait que les photos du concert sont dans la mémoire interne. N'ayant toujours pas trouvé de solution pour les extraire, faudra attendre un peu avant que je les publie. Le concert de Cat Power faisait partie de sa tournée Sun reprogrammée après ses petits problèmes personnels de l'automne dernier. J'avais ma place pour la voir à Madrid et il fallait donc que je me rattrappe en la voyant autre part et ce séjour londonien fut la bonne opportunité pour la voir et enfin tester la Roundhouse. 
Une grosse surprise m'attendait là-bas, on pouvait boire des bières en rue et dans la salle. L'austérité londonienne atteint ses limites quand on touche à un fondamental de la société anglaise, la musique. On rentra donc après quelques cannettes de bière dans le disquaire tous excités avec les images en tête du show de Macca aux Amoeba Records ou de celui de Beady Eye chez Virgin. C'était génial de les voir si près ou pour presque rien (17 euros avec LP ou 13 euros avec cd). Ils arrivèrent et c'était parti. Le son était énorme malgré l'environnement du disquaire. Malgré leur show de la veille, ils avaient l'air en pleine forme. Le set fut assez court, entre 45 minutes et une heure mais d'une intensité sans pareille. Je crois que presque tout le nouvel album a été joué avec mon petit "Evil Things". On a eu aussi la surprise d'entendre le guitariste chanter avec une voix très intéressante. 
Elle sera sûrement plus utilisée dans les prochaines productions, afin de contraster avec la voix aigue du chanteur principal. Après le concert, qui fut un peu un espèce d'amuse-bouche avant un vrai concert d'eux (ça tombe bien j'ai ma place pour les voir lors de mon séjour à Bruxelles), on passa un petit temps à écouter les dernières sorties et à parler avec le groupe. Ca c'est Londres malgré tous ses défauts. Un autre ami nous rejoint 2 heures après le concert, dégoûté d'avoir raté ce moment. Il ne savait pas quelle claque il allait recevoir en pleine gueule dans quelques jours... La nuit fut passée dans un pub dans le quartier d'Arsenal. Vue la rareté des logements à Londres en cette période, j'avais décidé faire un hotel par nuit, ce qui avait ses bons côtés (rencontrer de nouvelles personnes chaque nuit, un nouveau quartier, un nouveau pub...) mais aussi ses inconvénients (ces connards d'anglais ne sont pas foutus d'avoir une heure de check-in correcte. Au lieu du 12h habituel, on devait se lever tous les jours avant 10H et avec les nuits courtes qu'on se tapait...) . On passa la journée du vendredi à Camden, notre auberge se trouvant là pour la soirée du vendredi. On scruta de nouveau les disquaires et offres rares toute l'après-midi après avoir avalé un gros morceau de cochon grillé au marché. La soirée fut passée autour de bières dans la chambre avec des anglais puis dans la rue pour enfin atterrir dans un espèce de bar-club qui jouait un peu de tout jusquà la fermeture. Le lendemain matin, on dut encore se réveiller à cause de ce check-in (à 11H cette fois :) ). 
Un ami étant fan de rugby, on fonça dans un pub qui faisait une promotion pour le match des Lions contre l'Australie. Une pinte de cidre et un English breakfast pour 10 pounds, une aubaine pour Londres. On se réveilla doucement entouré de ce qui je crois était le meilleur English breakfast de ma vie (j'en ai testé surtout avec les 3 Glastonbury). Je ne retins presque rien du match, vu mon état de fatigue, mais je me souviendrai toujours de ce moment. 
Quel drôle de truc que ce Olympic Park. C'est de nouveau un espèce d'espace de loisirs à l'anglaise sous le modèle de l'O2. Allez un "Brupark Village" en plus grand et plus scintillant. L'horreur. Heureusement que je n'ai pas mis les pieds à Londres, ni rien vu des JO (à part la prestation de Liam & Co et mes Who bien évidemment), j'aurais vomi. Enfin bon le stade a de la carrure quand même. Il faisait splendide et chaud comme en 2010, à croire que c'est un signe du destin. Tous les ingrédients étaient réunis pour attaquer les Black Crowes et le Boss. On arriva malheureusement juste au début du set des Black Crowes à cause de problèmes de temps et de billets. Malgré ces contretemps, on fut à une bonne place pour les Crowes et donc à une meilleure place (même si je ne voyais pas comment on allait se foutre dans le "pit") pour le Boss."Twice As Hard" commençait à résonner. C'était parti pour un petit set des Crowes. C'était un peu "ma première fois" car la dernière fois, à Bilbao, je les connaissais peu et n'avait pas fait tout le concert et en plus le son y était très mauvais (comme pendant tout le festival). "Twice As Hard" donc, classique pour l'ouverture en festival. Ils sont excellents et l'épisode de Bilbao est vite oublié. Les gros hits s'enchaînent sous une immense chaleur: "Sting Me" puis le génial "Jealous Again". L'été musical venait de commencer réellement, et ça me procurait une sensation de bonheur intense.
C'est au tour de "Wiser Time", peut-être ma chanson préférée du groupe. Tout s'enchaîne tranquillement, de petits solos en petits solos. Je lis les sourires des visages autour de moi. Du bon rock n'roll libre et bien foutu et du soleil en plus à Londres, que demander de mieux? L'avalanche de hits suit: "She Talks to Angels", "Thorn In My Pride (qu'est-ce-que je l'aime celle-là), puis le final "Hard To Handle" entrecoupée d'une surprise, un bout de "Hush" de de Deep Purple! Tout s'enchaîne parfaitement, le chanteur accompagne le rythme du groupe en dansant au gré du vent. Leur set est déjà fini, c'est beaucoup trop court, comme Crowded House il y a trois ans au même festival. C'est un peu le problème de ce festival, les artistes sont invités comme des premières parties pas comme des artistes de festival et donc leur set est réduit à néant. On en voulait plus mais on dut se contenter de ce mini-set. Ce groupe est une merveille. Tout était fluide, improvisé tel un vrai groupe de rock n'roll loin des plates prestations de certains artistes dits rock actuels (je vous laisse chercher). Vive les Crowes. Après cet en-cas royal, venait l'heure de voir mon cher Bruce, la voix de l'Amérique moyenne. 
La scène se remplissa petit à petit des éléments de la machine "E Street Band", 2 ensembles de batterie, un pour Max Weinberg et l'autre pour les quelques chansons du Wrecking Ball qui nécessitent cet ensemble. On se demande ce que le Boss va jouer ce soir. Hier à Paris, il a joué tout "Born in The USA". La difficulté était grande de savoir ce qu'il allait faire. Je misais sur "Darkness", celui-ci étant très populaire en Angleterre. Cependant, on ne savait jamais. On aurait pu croire qu'il irait plus evrs un format festival mais le Hard Rock Calling est un drôle de festival. Les set-lists de 2009 et 2012 le prouvaient. Par quoi allait-il ouvrir? Là encore, c'était le mystère complet. Chaque édition du Hard Rock Calling avait droit à une surprise. En 2009, c'était "London Calling" tandis qu'en 2012, "Thunder Road" tout seul juste avec le piano comme lors de son premier concert en Europe. Bref, c'était impossible à prédire et à vrai dire toutes mes prédictions furent fausses. 
C'était en effet une des seules chansons live que je leur avais donné pour la préparation du concert, pour rassurer un ami qui disait que Bruce "n'utilisait pas assez sa guitare". Ce sera tout le contraire pendant tout le show. Bruce adoptera une set-list hyper rock/blues pour leur plus grand plaisir. La version de Johnny 99 est époustouflante. Je n'en crois pas mes yeux et mes oreilles. Rien à voir avec la version de Glastonbury, cette version est extrêmement plus longue et plus aboutie. Il avait déjà fait là mon concert. Mes regrets d'avoir raté Glastonbury et les Stones s'étaient évanouis, rien ne pouvait l'égaler. Je ne savais pas que quelque chose d'encore plus fort allait suivre: un Reason To Believe électrique demandé par le public! Alors là c'est l'apothéose en matière de live rock n'blues. J'avais jamais entendu une version pareille de cette chanson. Wow. On a eu droit après à un "Atlantic City" que je n'avais jamais eu en live. Que de bonnes surprises pour le moment. Bruce continua avec deux morceaux de WB: la chanson-titre toujours aussi puissante en live et le "Death of My Hometown" que je n'attendais plus après les dernières set-lists. Ca danse dans la foule, le sourire aux lèvres. Un sourire que chacun arborera jusqu'à la fin de ce moment magique, en gueulant de toutes ses forces toutes les paroles. Bruce annonça q'il allait jouer un album entier. Ce sera le même que la veille, "Born In The USA". Je suis un peu déçu mais finalement sa prestation remplira toutes mes attentes. 
Ca n'était pas encore fini, le Boss voulait m'achever complètement et pris une pancarte dans la foule et avec le visage rempli d'émotion nous annonçait: "I will play this song. It is the song of my life about my life, hope you will enjoy it as I will do" et il nous montra la pancarte: JUNGLELAND!!!! Je ne pouvais en croire mes yeux, il allait jouer ça devant moi. Jamais je n'y aurais cru. Et ça commença, accompagné d'un ciel sombre. C'était trop pour moi. C'était chanté avec une telle intensité, telle émotion que ça me pris en plein coeur. Et les notes de piano, se succèdaient, avec cette voix incomparable. Les solos de guitare arrivèrent pour laisser place au fameux solo de saxophone. Pas un mot fut entendu dans cette foule de milliers de personnes, tout le monde avait le regard fixé sur cet instrument, avec leurs tripes. C'était juste indescriptible. Le neveu a fait plus qu'honneur à son oncle. Une merveille. 
Je suis donc arrivé le vendredi soir peu avant minuit à Manchester. Surprise: un inconnu pouvait me loger le soir mais je devais le rejoindre dans le centre au préalable. Je pris donc le premier et de facto dernier train pour le centre sous une pluie battante. Arrivé dans le centre, je ne pus retrouver le gars en question. On arrivait rendez-vous devant un Subway mais on ne parlait jamais du même. Après 30 minutes, ou il me signifiait que si on se retrouvait pas il s'en allait (bon j'avais deux solutions d'urgence non payantes au cas ou), je le retrouvai. Il avait rendez-vous dans plusieurs clubs et nous sommes donc allés boire quelques coups. Le premier club fut une boite funk gratuite dont la musique etait pas mal mais on n'a pu y rester que peu longtemps à cause de son autre rendez-vous. Mon hôte n'avait pas l'air d'être dans sa plus grande forme, j'étais curieux de savoir ce qui se passait. On passa par quelques pubs après avoir rejoint quelques de ses amis. Le plus agréable fut celui dans le Gay's quarter grâce à sa terrasse et son prix plus bas que la 50 belge. J'ai pu là-bas vraiment déjà avoir un petit aperçu du monde de la nuit mancunien. On rentra vers 5H dans une maison en vente dans la banlieue de Manchester rempli de grandes chambres. Je dormis donc dans une des grandes chambres profitant du confort du lit jusqu'à ce que Sid (mon hôte) me réveille à 9H pour que je descende car le propriétaire pouvait passer. Finalement, je ne dormis pas du tout et me suis organisé un peu pour la suite des opérations. La localisation de la maison était en fait géniale, un train passait là toutes les 20 minutes pour le centre. Après une visite de la Cathedrale, du centre, du canal
et comme toujours une petite escapade vers la salle du concert de demain, je fus de retour à la maison en vente où je pris quelques bieres avec des voisins et Sid accompagné de musique locale (Oasis, The Stone Roses, The Happy Mondays, Slydigs, ...). 
La salle était gigantesque avec d'énormes écrans reproduisant les phares de la vespa. J'avais la chance d'avoir de très bonnes places grâce au fanclub. Dès le retentissement de "I am the Sea", c'était parti. Quelle joie immense que de les retrouver après 3 ans d'absence... Les visuels étaient très proches de ce que j'avais vu à l'Albert Hall, quelque chose qui se démantira par après. Dès "The Real Me", la bombe était lancée. Les visuels étaient à couper le souffle utilisant toute la superficie de la scène et les deux fameux grands phares. Etaient diffusées des images d'archives que je n'avais jamais vues des sessions de Quadrophenia. Entre Roger, Zak, Pete, les visuels, je ne savais pas ou tourner la tête. Ce "Real Me" n'avait rien à voir avec celui de 2010 et encore moins avec celui de 2008. Roger avait une voix encore meilleure qu'au RAH, allez encore mieux qu'en 2001. Fou. Pete alignait les riffs comme jamais et j'ai senti pour la première fois une combinaison parfaite entre Pino, Pete, Roger et Zak sur "The Real Me", comme à la grande époque. Ils se lâchaient beaucoup plus qu'en 2010, n'étaient plus concentrés sur leur partition et prenaient énormément de liberté. Tout ça s'annonçait très bien. Après m'avoir scotché sur la première "vraie" chanson du concert, à quoi pouvais-je m'attendre? Le "Quadrophenia" fut comme d'habitude splendide. Les visuels de nouveau étaient incroyables, rien à voir avec le petit Jimmy apparaissant avant chaque chanson comme lors de la tournée 96-97. La prochaine surprise survint avec le "Cut My Hair" entonné intégralement par le frère de Pete. Bon pour ce coup-là, je préferais de loin la version de 2010 avec Roger et (bon on peut pas l'avoir à chaque fois), Eddie Vedder. Le "Punk and the Goodfather" qui suivit fut d'une extrême intensité, beaucoup plus proche de la version 1973 de " View a Backstage Pass".
Le reste de la première partie 
Le solo de piano est plus long aussi que d'habitude, et la version qui en sort est 
A 21H30 donc commença a jouer Simon Townshend dans ce bar minuscule. Il y avait très peu de personnes, celles-ci ne sahcant vraisemblablement pas qui était en train de jouer devant eux. Malgré le plaisir que j'avais de voir le frère de quelqu'un que j'adule, et toute ma reconnaissance envers son travail au sein des nouveaux Who (en particulier durant la tournée solo de Roger), le concert fut assez ennuyant. Ses chansons solo n'avaient aucune consistance et j'avais vraiment de la peine pour lui. Le suel moment où il a réussi à m'entraîner est quand il a joué "Going Mobile" de vous savez qui. Il ne restera définitivement qu'un excellent guitariste avec une très belle voix mais sans capacité de songwriting. J'ai voulu après le concert lui parler du futur de mon groupe préféré mais je fus vite empêché par ses amis qui m'obligaient pour lui parler d'acheter son dernier album. Quelque chose que je ne fis évidemment pas vue la qualité de son concert. Ainsi donc même pour parler à quelqu'un dans un cadre intime, il faut faire du business. Voilà ce qui est le rock d'aujourd'hui. Sans nouvelles de mon ami parti d'urgence pour imprimer son billet d'avion du lendemain matin, je décidai de stopper la discussion avec les amis de Simon pour le chercher dans le lieu de son dernier message. Après être arrivé en courant, celui-ci m'appris que son téléphone n'avait plus de batterie et que donc si je n'étais pas arrivé rapidement, on ne se serait pas rencontrés! Encore ma petite étoile... 
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